Uno de los aspectos más destacados de la Conferencia de Música South by Southwest de este año fue el conjunto de pop clásico de Austin, Mother Falcon. Apiñados en el pequeño escenario del Hideout, estos 13 jóvenes de formación clásica demostraron que podían ser tan atrevidos y fascinantes como cualquiera de las bandas de rock mucho más ruidosas que resonaban a lo largo de Sixth Street. Lo hicieron aprovechando las fuertes melodías y ritmos de sus competidores en el tipo de cambios alucinantes de un tema a otro y de armonía en armonía que solo los músicos clásicos pueden lograr.
Las cuatro cuerdas, los cuatro cuernos, las dos guitarras, el bajo, la batería y las teclas alternaban entre números instrumentales y vocales. Solo ocasionalmente jugaban todos a la vez; más a menudo se mostrarían varios subconjuntos del grupo. En un momento, los dos violonchelistas estaban tocando un ostinato palpitante contra una guitarra de surf; en otro momento, una entrecortada voz femenina del guitarrista acústico fue superada lentamente por una tormenta de cuernos y cuerdas. Un ritmo punzante y pizzicato de las cuatro cuerdas fue recogido por el bajo vertical, la batería y los cuernos y se incorporó a un ritmo de tren retumbante, solo para ser calmado hasta detenerse por el mudo y arrullo 渙 oh 漵 de los violonchelistas.
Fue una noche maravillosa de música, porque estos veinteañeros músicos tenían todo el tono exuberante y la entonación de precisión de su formación clásica, pero también la determinación de burlar el decoro y los límites. Entienden el poder de los ritmos musculosos y repetidos de la música pop y de las melodías memorables y pegadizas, y han encontrado la manera de integrarlas en composiciones ambiciosas de música artística.
Como tal, Mother Falcon es parte de una nueva ola de músicos de formación clásica que emplean vocabulario de rock con resultados emocionantes. Jonny Greenwood de Radiohead, Bryce Dessner de The National, San Fermin y Mother Falcon no son estrellas de la música artística que intentan cruzar; se trata de jóvenes músicos que, al borde de sus carreras, desviaron sus incipientes habilidades clásicas hacia un género que podría llegar a su propia generación: el rock moderno.
Tres factores han permitido que sus esfuerzos tuvieran éxito donde tantas puñaladas anteriores en una fusión clásica / rock han fracasado. Uno, estos recién llegados tienen un conocimiento genuino y respeto tanto por la música clásica como por el rock. No son directores clásicos que se burlan del material mientras arreglan canciones de rock para un concierto de pops sinfónicos. No son rockeros hambrientos de estatus, simplemente agregan citas de Beethoven de BBC Radio 3 para agregar algo de 渃 lass a su música de banda de bar. Tampoco están agregando cuerdas al estilo de Hollywood para realzar la grandiosidad de sus baladas. Tanto la música artística como la música pop son parte de sus vocabularios inconscientes, por lo que componen con ambas.
Dos, estos jóvenes intérpretes saben que la música clásica no se detuvo con Giacomo Puccini (un hecho que muchos espectadores sinfónicos aún no han comprendido). Están familiarizados con la música artística del siglo XX e incluso el siglo XXI, que se mezcla más fácilmente con el rock moderno que con la música de los siglos anteriores. Y, tres, estos músicos no incursionan en los acertijos cerebrales de tanta música artística contemporánea; apuntan sus habilidades al mismo impacto emocional que siempre ha tenido como objetivo el rock ‘n’ roll.
Mother Falcon surgió del deseo de Nick Gregg de aferrarse al instrumento que eligió, el violonchelo, y toda la técnica clásica que lo acompañaba, al mismo tiempo que escribía nuevas canciones en la misma línea que tantos músicos de rock y americana en su ciudad natal de Austin. Hoy esa conexión con la fértil escena americana de Austin se destaca aún más por el dúo en curso de la violonchelista de Mother Falcon Diana Burgess con el cantante y compositor Curtis McMurtry (hijo de James, nieto de Larry).
Gregg todavía estaba en la escuela secundaria en 2008 cuando reunió a algunos intérpretes de cuerdas de su misma edad para crear arreglos y composiciones colaborativas. El concepto fue tan atractivo para una generación de adolescentes amantes del rock y de formación clásica, que pronto se unieron a los intérpretes de cuerdas el acordeón, la trompeta, el saxo tenor, el bouzouki, la guitarra pedal steel, la batería y más. En poco tiempo, Mother Falcon se convirtió en un gran grupo de jóvenes músicos de Austin, con entre 10 y 20 participantes en cualquier programa en vivo o grabación.
El grupo se mantuvo unido durante las graduaciones de la escuela secundaria y la universidad para lanzar su tercer álbum de estudio de larga duración, Buena suerte, diviértete, el año pasado. El disco se divide claramente en dos partes: cinco números vocales que combinan letras elípticas de indie-rock con palpitante música de arte contemporáneo, seguidas de siete selecciones instrumentales de la banda sonora de un documental cinematográfico de próxima aparición sobre juegos competitivos.
淜 id, el primer sencillo, presenta a la mandolinista Claire Puckett susurrando de manera encantadora sobre las peligrosas y crueles aventuras de adolescentes en los lechos de los ríos de piedra caliza de Texas, su soprano soprano contrarrestado por figuras de cuerdas puntiagudas que siguen mutando en nuevos temas. Aún mejor es el tenor agudo del acordeonista Tamir Kalifa en la balada de mayoría de edad, 淨 uiet Mind, respaldada por música que se libera del formato pop de verso-coro-puente para saltar de un tema a otro tan rápido como lo haría un recién graduado universitario. cambiar de personalidad.
San Fermín fue el punto culminante de la South by Southwest Music Conference del año pasado. El grupo podría haberse confundido fácilmente con otra banda de indie-rock de Brooklyn. El montaje era un poco extraño de trompeta, saxo tenor, violín, cantante principal, cantante principal y una sección de ritmo de rock, pero el pulso palpitante y las voces de corazón en una manga eran familiares.
Sin embargo, si fueras uno de los pocos que todavía estaban lo suficientemente sobrios como para escuchar con atención, podrías escuchar giros sorprendentes: intervalos extraños en las melodías vocales, líneas instrumentales contrapuntadas, sustituciones de acordes en las variaciones y cambios de tempo instantáneos. El compositor obviamente tenía una formación clásica, pero este tipo no estaba usando los elementos clásicos como adornos llamativos cosidos en una canción de rock como diamantes de imitación en un vestido viejo. Había tejido su conocimiento en el corazón mismo de la canción.
Y a diferencia de la mayoría de las bandas de rock, el compositor no era ni cantante ni solista principal. Ellis Ludwig-Leone hizo todo lo posible por pasar a un segundo plano en la Iglesia Presbiteriana Central de Austin. Con su cabello castaño corto, nariz puntiaguda, lentes nerd y mangas arremangadas, se paró detrás de sus dos teclados eléctricos y dirigió la banda mientras sus compañeros ocupaban el centro de atención.
San Fermín demostró las recompensas de tal enfoque en su segundo álbum, Liebre, lanzado hace un año. Los cantantes principales Charlene Kaye y Allen Tate a menudo parecían estar cantando desde lados opuestos de la misma relación, insinuando convenciones de ópera sin imitarlas. Cuando cantaban sobre el amor frustrado y el amor gratificado, se aventuraban en un territorio donde miles de canciones pop los han precedido, pero Ludwig-Leone siempre les daba una nota inesperada y / o un acorde inesperado para que pareciera que el oyente estaba escuchando tal cosa. confesiones por primera vez.
Por fin, Tate intentó convencer a su objeto de afecto de que deberían olvidar todas sus reservas y apoderarse del momento cuando todo se sintiera bien. La síncopa pavoneada y la melodía del R&B son convincentes al principio, pero cuanto más canta Tate de su desesperada soledad, atrapado en su dormitorio, menos convincente parece y la música se vuelve menos decidida, fracturando la confianza tanto del ritmo como de la armonía. .
Kaye respondió con adies Mary, confesando que no sentía nada por el hombre que la idolatraba. Ludwig-Leone había creado un ambiente de ensueño con las dulces armonías femeninas de Kaye y la violinista Rebekah Durham, pero luego ahuecó el ambiente con tambores inconexos, pizzicato de violín espinoso y acordes agrios. Las tendencias románticas y antirrománticas se tiraron y tiraron unas de otras con una tensión dramática fascinante. Otra nueva canción, 淩 eckoning, comenzó con la decepción romántica de Tate, que se volvió más turbulenta y finalmente estalló en una serie de salvajes solos de trompeta.
Al igual que Ludwig-Leone, quien una vez trabajó como asistente del destacado compositor Nico Muhly, tanto Greenwood como Dessner también han recibido el sello de aprobación de las principales figuras de la música artística contemporánea. Greenwood fue reclutado como intérprete principal en el álbum de 2014 de Steve Reich. Reescritura de radio, y Dessner recibió el encargo de componer un álbum completo, 2013 ahym, para el Kronos Quartet. El último álbum de Dessner, Música para madera y cuerdas, incluye So Percussion.
Para ese disco, encargado por Carnegie Hall, Dessner trabajó con el fabricante de instrumentos Aron Sanchez para crear un instrumento de ocho cuerdas, de mesa y de cuerdas al que llamaron 渃 hordstick. Dessner lo describe como 渁 cruce entre un dulcimer de martillo y una guitarra eléctrica que se puede tocar con 減 encilos, arcos y mazos. A cada uno de los cuatro miembros de So Percussion se le dio su propio acorde con un rango diferente, complementado con percusión más tradicional para interpretar la composición del título del álbum.
El resultado es una pieza de 35 minutos que evoca simultáneamente la música folclórica de los Apalaches, la música del pulso de Reich y Philip Glass y los pasajes de trance melancólico de la banda de rock de Dessner, The National, mientras extrae sonidos nunca antes escuchados de un mundo nunca antes visto. instrumento. Otra composición de Dessner, 淨 uilting, fue estrenada el año pasado por Gustavo Dudamel y la Filarmónica de Los Ángeles, y parece estar ganando un perfil más alto en el mundo clásico que cualquier rockero antes que él.
En conjunto, Mother Falcon, San Fermin, Dessner y Greenwood sugieren que hay espacio en la música de arte contemporáneo para los ritmos, ganchos y texturas del rock y en el rock para nuevos acordes, nuevos intervalos e instrumentos infrautilizados. Después de tantos intentos fallidos de fusionar la música clásica y el rock, una nueva generación finalmente lo está haciendo bien.
