Tiempo record es la columna mensual de Paste que echa un vistazo a la amplia gama de nuevos lanzamientos de vinilo que actualmente inundan las tiendas de discos de todo el mundo. En lugar de agotar cada pedazo nuevo de cera en el mercado, nos centraremos en ediciones especiales, reediciones y títulos inusuales que se crucen en nuestro escritorio con interés en discutir tanto la música como cómo se presiona y se presenta. Este mes incluye la primera edición en vinilo estadounidense de una obra maestra de Tropicalia, reediciones cruciales de tres de los mejores artistas negros de todos los tiempos y un debut en solitario bien concebido pero mal ejecutado de un Rolling Stone.
Si Curtis Mayfield nunca hubiera lanzado un álbum en solitario en su vida, ya habría consolidado su estatus legendario a través de su trabajo con The Impressions y las muchas canciones exitosas de R&B y pop que escribió y produjo para otros artistas. Pero realmente logró el Modo Dios en 1970 con el lanzamiento de su álbum. Curtis, un insta-clásico que presenta la épica irresistible 淢ove On Up y otras siete losas de mármol de psych-soul. A partir de ahí, Mayfield conectó con otra marcha para el resto de la década: las bandas sonoras de Super vuelo y claudina, álbumes con Mavis Staples y Aretha Franklin y algunos álbumes en vivo increíbles. Este conjunto recién lanzado solo recopila una fracción del material de los años 70, pero siguen siendo esenciales para cualquier coleccionista de vinilos que se precie. Curtis y Raíces (el último de 1971) marcó el tono de expresiones conmovedoras pero geniales de autoconservación y afrocentrismo que poco a poco separa de los otros dos esfuerzos de estudio incluidos en este conjunto, 1973 De vuelta al mundo y 1974 dulce exorcista. Las esperanzas de Mayfield para el futuro de los afroamericanos y del país en su conjunto no son muy positivas, lo que puede explicar su deseo de llevar la mayor cantidad posible de su música al mundo antes de que las cosas se desmoronen. Pero al igual que con todos sus mejores trabajos, Mayfield presenta su perspectiva sombría con tonos brillantes y parte de la música más funky y alucinante de la época. La era psicodélica hizo un número en su mente, cuerpo y alma y el mundo fue mucho mejor por eso.
Si este fuera el producto de cualquier otro artista, este álbum nunca habría visto la luz del día. El primer esfuerzo en solitario de Keith Richards tiene la sensación de una grabación suelta hecha con una banda de papás con un talento poco natural que incluye a Ivan Neville, Waddy Wachtel, Bernie Worrell, Joey Spampinato e incluso el exguitarrista de los Stones, Mick Taylor. Es el tipo de lío que solo una gran estrella de rock podría hacer y aún así obtener críticas entusiastas de Piedra rodante y una reputación que supera con creces su calidad. Pero como llegó a su 30 cumpleaños (que técnicamente llegó en octubre pasado), ahora está siendo ungido con una reedición que aparece en múltiples formatos, incluido un gran conjunto en caja con bonus tracks, 7漵 y un gran libro y una recreación simple. del lanzamiento original de 1988 en vinilo y CD. Independientemente de sus sentimientos sobre la música, no hay argumento de que la nueva edición de Hablar suena genial. No ha sido remasterizado hasta donde puedo decir y probablemente por una buena razón, ya que probablemente habría revelado más fallas en el fuselaje de este tanque oxidado de álbum.
Mientras continúan los debates sobre la eliminación del artista negro Lil Nas X de las listas Billboard Country, echemos un vistazo a la época en que un destacado músico afroamericano se atrevió a desdibujar las líneas de género y terminó con uno de sus mayores éxitos cruzados. Ray Charles era un fan declarado de la música country y sintió que podía agregar algo al sonido arraigado con el que creció. Entonces, a medida que su éxito se dirigía a su punto máximo y su poder en la industria crecía, se atrevió a grabar 12 de sus canciones country favoritas, infundiéndolas con el blues y el jazz swing por los que ya era conocido y exponiendo cómo todos estos géneros. se influyeron mutuamente durante la primera mitad del siglo XX. El exitoso álbum y su secuela se han impreso y agotado desde su lanzamiento inicial en 1962, y las ediciones más recientes llegaron el mes pasado. Y el primer volumen (el único que nos enviaron a revisar) tiene un buen brillo. El trabajo de remasterización de Bob Fisher es sutil, encendiendo suavemente las luces de la inimitable voz de Charles y sacando la sección rítmica de las sombras. El dolor de baladas como 淏orn To Lose y 淚 Can’t Stop Loving You y el guiño de alegría de 淏ye Bye Love siguen presentes, protegidos tras un cristal. Fisher acaba de dar una vez más con una fina gamuza.
No disponible en vinilo hasta este año, el muy cacareado álbum de reunión de 1994 de estas leyendas del rock suave finalmente está disponible en cera. Si te gusta ese tipo de cosas. La tarjeta de presentación de esto son las cuatro nuevas pistas que la banda grabó para este LP. El resto son presentaciones en vivo, hechas para un especial de MTV, de muchas de las canciones más importantes del grupo. El infierno se congela, sin embargo, siempre se ha sentido como un lanzamiento para los superfans de Eagles, ya que las canciones más nuevas son un lavado completo de sentimentalismo empalagoso y Don Henley interpretando al abuelo enojado. El conjunto está anclado por algunos buenos momentos, como una versión arqueada de 淚n The City y una cálida interpretación de 淚 Can’t Tell You Why, pero por lo demás no proporciona nada de la misma comodidad de mezclilla descolorida que tenían las versiones originales. La música hace la transición al formato de vinilo cómodamente. Los ingenieros que presionaron esto probablemente usaron el mismo material de origen que ayudó a crear las versiones LP que anteriormente solo estaban disponibles para los mercados europeos, ya que sobrevive la transición de una grabación digital a un medio analógico mejor que muchos lanzamientos contemporáneos.
Los entusiastas del post-punk realmente están cosechando los beneficios del renacimiento del vinilo, particularmente cuando sellos como Beggars Banquet están sondeando su vasto catálogo. Esto ha sido especialmente bueno para los fanáticos de The Fall, ya que gran parte del catálogo de su maravilloso período de los años 70 y 80 está siendo remasterizado y reeditado oficialmente, con mucho cuidado para proporcionar las versiones más completas de los álbumes mientras se sumerge en el pasado de la banda. , que está plagado de singles, sesiones de radio y rarezas. Este relanzamiento proviene de uno de los muchos picos de The Fall, cuando lograron obtener una ubicación sorpresa en las listas del Reino Unido con una versión de 淢r de The Other Half. Farmacéutico y con la influencia más pop-céntrica del guitarrista Brix Smith. Beggars Arkive regresa sabiamente doblar siniestro vuelve a su lista de canciones original, que fue sacrificada para el lanzamiento en EE. UU., y agrega un segundo LP de canciones de sencillos lanzados casi al mismo tiempo. Con las cintas analógicas originales a su disposición, Andy Pierce y Matt Wortham hicieron un trabajo notable al incorporar aún más la energía áspera y el experimentalismo chisporroteante en estas pistas. Por el sonido de este lanzamiento, es posible que solo se haya extendido a la Siniestro álbum ya que las pistas individuales incluían un sonido comparativamente apagado. Sin embargo, eso se siente como una queja bastante vacía, ya que es genial ver sellos como Beggars y Superior Viaduct tratando el trabajo de Fall con el cuidado y la consideración que su líder mercurial Mark E. Smith no se habría atrevido. Ahora bien, ¿podrían hacer algo con respecto a la avalancha de grabaciones en vivo de mala calidad que están a punto de llegar al mercado este Día de la Tienda de Discos?/p>
Al igual que la producción cinematográfica del país, navegar por las partituras de música india que se han lanzado en formato físico es una tarea que es mejor dejar en manos de los expertos o, al menos, de las personas que residen en el país. El público occidental solo está al tanto de lo que algunos curadores o gente de la etiqueta consideran comercialmente viable o al menos lo suficientemente alucinante como para conectarse con las cabezas entre nosotros. Ahí es donde el sello independiente de corta duración Mushroom Records entró en escena. A principios de los años 70, el sello puso en circulación una serie de obras fascinantes de la India, incluidos estos dos álbumes que están recibiendo nuevas ediciones a través de Manufactured Recordings. Curiosamente, los dos artistas destacados en estos lanzamientos eran expatriados de la India, vivían en Londres y llevaban el sonido tradicional/clásico de su país a nuevos oyentes. El más accesible de los dos es el álbum de Pandit Kanwar Sain Trikha, ya que no está muy alejado del trabajo del ya mundialmente famoso Ravi Shankar. Las tres piezas del álbum son incontenibles y malditamente cercanas a la amapola. Lanza algunos breakbeats detrás de los ritmos de 淩ag Desh In Dadra, y Trikha podría tener un éxito de pista de baile en sus manos. El álbum de título simple de Nitai Dasgupta requiere un poco más de paciencia y atención para sumergirse completamente en la música que contiene. El álbum presenta nuevas canciones escritas en un estilo clásico, expresando lamentos por amores perdidos, así como canciones devocionales destinadas a la adoración. La pieza central es el 淏hairava lateralmente largo, un raga de improvisación que lentamente cobra vida y mantiene un flujo constante a medida que se construye hacia una conclusión acelerada impulsada por el aleteo de la tabla de Natver Soni y el canto exultante de Dasgupta.
Después de cinco décadas, el segundo álbum de Caetano Veloso, y el primer esfuerzo en solitario, suena como un entretenimiento ligero con sus ritmos latinos que mueven las caderas y actuaciones espumosas. Sin embargo, en el momento de su lanzamiento en el Brasil natal de Veloso, álbumes como este y la música que hacían sus seguidores en el movimiento Tropicalismo eran vistos como una de las mayores amenazas a la dictadura militar en el país. Y no se trataba solo de infundir psicodelia y pop a los sonidos tradicionales de la región. Las letras de Veloso son descaradas y nítidas, entregadas en un tenor suave que solo hace que la medicina de líneas como, 淏antes de que la noche permanente se extienda por América Latina/el nombre del hombre es el pueblo y 淚en los rostros de los presidentes/en grandes besos de amor/de dientes, de piernas, de banderas/bombas y de Brigitte Bardot pican aún más. Este álbum nunca antes había tenido un lanzamiento de vinilo adecuado aquí en los Estados Unidos, pero gracias a la buena gente de Third Man Records y su tratamiento cuidadoso, casi artesanal, de la música grabada, este documento vital de un movimiento cultural y uno de los figuras más importantes dentro de ella no ha perdido un ápice de su maestría y urgencia.
Al igual que con muchos artistas prolíficos de los años 60 y 70, la discografía de James Brown es algo desordenada. Sus docenas de álbumes y sencillos se han combinado y antologado hasta la saciedad a medida que los derechos de la música seguían cambiando de manos y el propio Brown buscaba obtener la mayor cantidad de dinero por sus melodías de funk y soul. La compilación original de 1988 que se reeditó con material adicional nunca antes impreso en vinilo es solo un ejemplo de esta práctica. Llegando justo antes de un pequeño torrente de lanzamientos similares, Dinero es un retrato disperso de la carrera de Brown entre 1967 y 1976, con pistas extraídas de sencillos, la banda sonora de La gran estafa de Slaughter y algo de material vivo arrojado en buena medida. Eso puede sonar como una toma de dinero irreflexiva, pero el lanzamiento de ’88 y su equivalente en CD de 2003 (cuya lista de canciones se replica aquí) es una fiesta de baile esperando para comenzar. Este es Brown y sus muchas cohortes en su mejor momento, con ritmos sexys de sobra y más evidencia de su destreza como acto en vivo. La versión de 淪ay It Loud (I’m Black & I’m Proud) capturada en el Bell Auditorium en Augusta, Georgia en 1969 está marcada con la furia contenida y la alegría explosiva que la comunidad negra necesitaba con urgencia en el año transcurrido desde el asesinato de MLK. Como Brown y compañía, se quitaron los guantes y tenían hormigas en los pantalones. Bailar para alejar la angustia desafiando a la generación de Woodstock y los poderes fácticos era la única forma de sobrevivir. Estas canciones fueron el manual de instrucciones para la revolución gozosa.
