La última batalla de Luc Besson (1983)”>Cada vez que un cineasta destacado estrena una nueva película, es un buen momento para volver a visitar la primera película de ese director para evaluar qué tan lejos ha llegado como artista. Con Valeriana y la ciudad de los mil planetas actualmente en los cines, echamos un vistazo a Luc Besson La última batalla.
En una entrevista reciente con Buitre, Luc Besson compartió su preferencia por la creación de mundos cinematográficos que son utópicos, con la megalópolis supuestamente alucinante de su próximo Valeriana y la ciudad de los mil planetas siendo, en sus palabras, como las Naciones Unidas. Dicho de otra manera, suena como Valeriana es a primera vista, de todos modos completamente diferente de la primera película de Besson.
Mientras que se supone que su nueva película es lujosa y encantadora, su debut, La última batalla, está desnudo y salvaje, filmado en blanco y negro rudimentario en lugar de en el digital cargado de efectos que trajo su último a la vida policromática. Tal austeridad se extiende a La última batallaEl concepto central: casi no hay diálogo en esta película, con la justificación narrativa de que, en algún momento en el futuro, la gente ha perdido inexplicablemente la capacidad de hablar. De manera similar, la mayor parte de la banda sonora de la película está ocupada por el ruido ambiental, y cuando los personajes se cruzan, se comunican a través de gruñidos, señalamientos o peleas, lo cual, en el mundo de los carroñeros que merodean por las ruinas de la civilización, en el mundo de come o ser devorado de la película. en busca de alimento y refugio, generalmente son suficientes para hacer entender el punto de vista.
La decisión de eliminar el diálogo tiene beneficios tanto prácticos como estéticos, siendo el primero quizás el más obvio. No tener que dar cuenta de la voz humana acelera la mezcla de sonido, algo que un cineasta joven, probablemente con problemas de liquidez como Besson (solo tenía 24 años cuando la película llegó a los cines) sin duda habría apreciado. La eliminación del diálogo también limita la película de una manera que es productiva para la creatividad, porque, así como las restricciones en el recuento de metros y líneas obligan a los sonneteers a idear formas imaginativas de transmitir sus puntos, también lo hace recortar el discurso de La última batalla obligar a Besson a encontrar otros medios menos ortodoxos de exposición narrativa no verbal. Los resultados se sienten un poco como descifrar códigos (tenemos que trabajar para descifrar los pensamientos y emociones de los personajes, aunque la estructura relativamente convencional de la película y las motivaciones poco complejas de los personajes todavía hacen La última batalla bastante fácil de seguir) pero también como si estuviéramos viendo un documental sobre la vida salvaje en el que la lucha por la supervivencia parece, en ausencia de lenguaje, totalmente primordial.
La asociación entre humanos y animales no es accidental. Inicialmente, la falta de palabras de la película opera como un truco, una muleta formal impuesta solo para que se pueda superar, pero a medida que avanza la película, la pérdida del lenguaje llega a significar una mayor pérdida de cultura y humanidad. Este hilo temático entra en escena en la forma de un viejo médico (Jean Bouise) que, encerrado en un complejo de apartamentos abandonado, ha logrado rescatar aspectos de la civilización tal como la conocemos actualmente: la medicina, la etiqueta, el arte. En su contra, la película enfrenta a un vagabundo brutal (Jean Reno) que frecuenta la puerta principal del médico, amenazando su cómodo estilo de vida. Entre estos dos opuestos reside el protagonista de la película (Pierre Jolivet), quien, herido, es acogido por el viejo médico y le da una muestra de vida más allá de la supervivencia. Desde el comienzo de la película, nuestro héroe ha ocupado un espacio entre el viejo orden mundial y el nuevo no orden (mata para conseguir lo que necesita, pero también es lo suficientemente inteligente en tecnología como para construir un avión), una posición de liminalidad que quizás lo convirtió en el alumno ideal para la instrucción cultural del anciano.
La visión de la película del vestigio final de la humanidad invadida por el desierto moral no está exenta de problemas. Por un lado, el La última batallaLa valoración inequívoca de la forma de vida del personaje de Bouise sobre la del vagabundo de Reno huele vagamente a clasismo y privilegio, con la 渉 umanidad enmarcada como condicionada a tener riqueza. ¿Es el vagabundo menos humano por ceder a los instintos más bajos con el propósito de sobrevivir? ¿El anciano es más humano por no necesitarlo? Podría ser que el personaje de Reno sea singularmente malvado en lugar de simplemente desesperado, varias escenas sugieren tanto, pero si este fuera el caso, entonces no sería una metáfora de la amoralidad tan grande como la película parece querer que sea.
Curiosamente, la primera escena compartida por el anciano y el vagabundo cuenta una historia completamente diferente. Allí, el médico es un idiota y el vagabundo, un tipo trabajador al que engañaron en un trato cuando el barril de alimentos enlatados que lleva a la puerta del médico es arrebatado adentro sin ningún regalo de reciprocidad. Una película más matizada podría haberse desarrollado en la línea de esta escena, pero Besson cambia abruptamente sus buenos deseos del personaje de Reno hacia el viejo médico a mitad de la película, creando todos los problemas mencionados anteriormente.
Dicho esto, la mayoría de estos problemas son simplemente de magnitud riqueza y la humanidad es un problema. poco demasiado estrechamente equiparado, el personaje de Reno un smidge demasiado villano. En general, Besson ofrece un retrato convincente de la humanidad que se fue por el desagüe, comenzando con la primera toma de la película, en la que una panorámica alrededor de una habitación destartalada termina en un hombre que tiene relaciones sexuales con una muñeca inflable. Cuando el muñeco se desinfla en medio del coito, hay una pequeña pausa en la embestida del hombre que dice mucho: reconoce su estado patético pero no puede hacer nada al respecto. La sociedad se ha convertido en un libre para todos egoísta en el que el imperativo de la supervivencia prácticamente corta la posibilidad de relaciones humanas sinceras. Qué mejor manera de abrir una película así que con una muñeca sexual, que personifica el egoísmo en la forma en que permite el sexo sin intimidad o intercambio humano.
Este deprimente status quo es la razón por la que la amistad del médico con el héroe es tan conmovedora. La rapidez y el entusiasmo con que el anciano muestra a su nuevo compañero todos sus objetos, comodidades y pasatiempos atestigua la anterior soledad del médico, mientras que la reacción semi-aturdida del invitado ante esta entusiasta vitrina sugiere incredulidad ante la posibilidad de que tal alegría exista en un mundo. tan vil. La relación entre estos dos hombres y las profundas ramificaciones que tiene para el protagonista se resume en un plano brillante, a mitad de la película, que comienza en el héroe sosteniendo una espada a su lado. Después de haberlo visto matar a alguien en una escena anterior, nos tensamos, esperando que estalle la violencia. Cuando el disparo retrocede y el anciano entra en el encuadre, se instala un leve pánico; pensamos que podría matar al médico y apoderarse de su casa. Pero la toma sigue retrocediendo y vemos que el médico en realidad solo está pintando un retrato del tipo, que es el modelo que sostiene la espada como apoyo.
A través de esta progresión de revelaciones, la película no solo subvierte nuestras expectativas, sino que nos hace notar esta subversión, que es paralela a la experiencia del héroe de encontrar una paz inesperada y una productividad intelectual / cultural / estética dentro de una existencia degradada. Su visión original del mundo como un lugar violento y degradado que puede ser simbolizado por la espada ha sido replanteado de la misma manera que el movimiento del disparo recontextualiza lo que vimos inicialmente. Es un momento de narración visual concisa, un punto culminante en una película poblada de imágenes impactantes.
En las últimas décadas, el nombre de Besson se ha asociado con el género de acción, dado que sus créditos de dirección, escritura y producción abarcan colectivamente los gustos de Láon, Lucy, los Transportador y Tomado serie, vehículo de artes marciales Jet Li Soltado, parkour gángster película Distrito B13 y muchos otros. Sin embargo, en cierto modo, su película más cargada de acción sigue siendo su debut, en el sentido de que depende casi por completo del movimiento de los cuerpos, los objetos y la cámara para contar su historia. Incluso en una época en la que películas como Valeriana Continuar hasta las fronteras de los efectos visuales, simplemente dejar que el movimiento hable por sí mismo sigue siendo un efecto especial espectacular.
Jonah Jeng es un escritor y estudiante de posgrado de estudios cinematográficos cuyo trabajo ha aparecido en Disparo al revés, El escenario de la película, Sabor a cine y El cine importa. Para él, la alegría se encuentra en la compañía de sus seres queridos, el encanto del cine y el consumo mayorista de rollitos de aguacate.
